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Eivind Buene: Mixed Metaphors

Eivind Buene: Mixed Metaphors

When Hannah and Uli asked me to write a piece for violin and Minimoog, my first reaction was yes, of course I’ll write for you. My next thought was wait, it’s impossible to reconcile these two old wooden boxes, one with fingerboard and strings attached, the other one filled with vintage circuits and oscillators. How can these two instruments, made for very different musics and with very different sound producing mechanisms, engage in meaningful dialogue?

It wasn’t until the first workshop, when I heard Uli and Hannah play together, that I realized how closely related these instruments are in terms of acoustic qualities. The conceptual distance between the instruments were all but cancelled out in the act of playing them. So there was a possibility to work with this difference in closeness and distance, and make a piece where the instruments strive to close the gap between them. The sensitivity of the musicians, their ability to listen to each other and transfer timbral qualities between them of course play an important role in this game; there were also compositional decisions that would facilitate the exchange between the instruments. I decided to treat the oscillators in the Minimoog and the violin strings in the same manner, a framework that dictated the rules of engagement and the musical ideas in the piece: microtonal fluctuations, glissandi, fixed parallel-movements, imitations of melodic contours etc. The pressure of the bow is also similar to the ‘pressure’ of the noise generators in the Minimoog, and the filters of the synthesizer relate to the timbral transformations of different bowing actions on the violin. The music always gravitates towards these points of contact.

Into this mix I added fragments of modality, to work with another set of differences: Between the microtonal continuum and fixed diatonic intervals. However, this distance is always measured by the interplay between the two instruments. When I started writing this piece, I thought of the oscillator as a metaphor for the violin string. But I see that it might as well be the other way around. And at this point, when the piece is finished, I realize an opposite approach could also have been true: The instruments could have strived to maximize their individuality, to enhance the distance between them. But this music is about bringing together, not tearing apart.
Eivind Buene

Biografie

Eivind Buene

Eivind Buene

Eivind Buene (*1973 in Oslo) is living and working in Oslo, writing for a wide array of European ensembles and orchestras. He also frequently engages in collaborations with improvising musicians, developing music in the cross-section between classical notation and improvisation. Buene has a keen interest in text, and has published several novels and essays beside the musical work. He currently teaches composition at the Norwegian Academy of Music.

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Oxana Omelchuk: Die Zähmung der Stille

Oxana Omelchuk: Die Zähmung der Stille

The study deals exclusively with the technique of ring modulation, which multiplies 2 incoming voltages together and forms the difference and summation tones from them at the output.

Electric violin and electric piano are each ring modulated with the same oscillator of the Behringer 2600.

In a sense, the piece is an allusion to the Trio 1977 by Johannes Fritsch, which features trombone, viola and synthesizer.
Oxana Omelchuk

Biografie

Oxana Omelchuk

Oxana Omelchuk

Oxana Omelchuk (*1975 in Belarus) studied with Johannes Fritsch and Michael Beil at the Hochschule für Musik und Tanz Köln. In addition to her compositional activities, she performs as a musician in various formations, and her range as a performing musician is reflected in her works. In her approach to existing material, the composer does not distinguish between U and E or High and Low. In her compositions she does not primarily want to create something new, but rather to transform existing, rediscovered material into the present.

For several years, she has also been intensively involved in her compositional work with modular synthesizers, which for her means developing works out of experimental trial arrangements and improvisational processes.

Since 2020 Oxana Omelchuk is part of the collective Polar Publik, a community of artists from the genres of dance, theater, new music and visual arts, who in their transdisciplinary projects at the interface of art and science address current situations in which the phenomena of power and powerlessness become explicit.

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Milica Djordjević: Fail again

Milica Djordjević: Fail again

12 years ago, I spent countless nights in a studio at IRCAM working on a piece for cello and live electronics. That’s how Fail was born, a piece that reflected my life in Paris and was inspired by Beckett’s quote, »Ever tried. Ever failed. No matter. Try again. Fail again. Fail better.« Composing it was an adventure, indeed a challenge, even the premiere was an adventure. And so was its (hopefully for now!) last performance: here at the ECLAT Festival in 2019. But that’s another story. Now, more than a decade later, the duo WeirichLöffler, dear friends and inspiring musicians, invited me to write a piece for them, for their exciting series Back to the Future. This was a good moment to start a long awaited inner dialogue with Fail. Again, following the »crash and reboot system«, new episodes keep building up, usually into just one or two small motifs, from which true cosms emerge.
Milica Djordević

Biografie

Milica Djordjević

Milica Djordjević

Milica Djordjević (*1984) began her composition studies in Belgrade, where she was already involved in electronic music, then went to Strasbourg and to IRCAM in Paris, before finally completing her postgraduate studies in Berlin at the Hanns Eisler Academy of Music from 2011 to 2013. Her already extensive œuvre, performed by leading soloists and orchestras, includes pieces for solo instruments, chamber music works in various instrumental settings from duo to double quartet, vocal works and large-scale orchestral compositions. Natural sciences, literature and art have an important role in her work.

 

Milica Djordjević possesses courage to let music be pure energy. And this music is powerful. Passionate. Dynamic. Disturbing. Brutal. Raw. Physical. Versatile, rich, sometimes fragile, often explosively charged. And very honest. True. And that’s what it’s all about: nothing artificialenergy and substance direct. »This music jumps right in your face.« Milica Djordjević has received numerous high-ranking prizes and awards for her works, including the Claudio Abbado Composer Prize of the Berlin Philharmonic (2020), the Composer Prize of the Ernst von Siemens Music Foundation (2016), and the Belmont Prize for Contemporary Music (2015). Her first monographic CD received the German Record Critics’ Award in 2017.

www.milicadjordjevic.com

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Dariya Maminova: Microstories about tenderness

Dariya Maminova: Microstories about tenderness

»Microstories about tenderness« are 9 miniatures for electric violin and synthesizer Minimoog. While searching for synthesizer sounds, I noticed that most of the sounds are very gentle. So I decided to call these micro stories soft or delicate. They have titles that reflect my personal associations: 1) Gentle Gray; 2) Gentle Rain; 3) Gentle Kiss of the Wind; 4) Light Whirlwind; 5) Tender Touch; 6) Gentle Pop Song; 7) Gentle Flights; 8) Gentle Disco; 9) Gentle Passacaglia. Between the miniatures there will be small intermezzi: I will draw and the audience will hear texts by writer Alexander Estis on the theme of tenderness.
Dariya Maminova

Biografie

Dariya Maminova

Dariya Maminova

Dariya Maminova (*1988 in St. Petersburg) studied piano and composition at the St. Petersburg State Conservatory and composition at the Detmold University of Music and the HfMT Cologne, where she is currently also studying electronic composition. She works in the fields of contemporary instrumental and electronic composition, improvisation and music theater. A special interest for Dariya Maminova is the synthesis of experimental contemporary music with popular music and with the music of other cultures. She pursues an international concert activity. In 2020 she was awarded the Bernd Alois Zimmermann Scholarship of the City of Cologne.

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Gordon Kampe: tanzen!

Gordon Kampe: tanzen!

In the wonderful Wim Wenders film about Pina Bausch it says »Dance, dance, otherwise we are lost!«I agree, especially in these dark times, wholeheartedly! We must dance! I am, unfortunately, a miserable dancer. But I do it anyway, secretly. With the daughter, when the Sunday Tatort jingle sounds, alone in the study, when the Rosenkavaliersuite drives me crazy. Sitting in the car, I am all alone the four little swans. I also admire dancers! How an incredible expression can be achieved with mere muscle tension or a look, great! That’s why the piece is a dance theater in a small space! Always similar figures jump back and forth, sometimes elegant, sometimes riotous. What was appealing to me about these crazy instruments, which I fell in love with in shock, was not only their sound. Also to consider that sometimes one hand will play on this instrument while the foot is doing something and the other hand is already on its way somewhere else… I always saw that in front of me and thought: actually everything is dance! The piece is dedicated to the two dancers Hannah Weirich and Ulrich Löffler!
Gordon Kampe

Biografie

Gordon Kampe

Gordon Kampe

Gordon Kampe (*1976 in Herne) studied composition with Hans-Joachim Hespos, Adriana Hölszky and Nicolaus A. Huber as well as music and history in Bochum after training as an electrician. He has received several awards, including the Composition Prize of the City of Stuttgarter (2007 and 2011), the Composer Prize of the Ernst von Siemens Musikstiftung and the Rome Prize. Since 2017 he is professor of composition at the Hochschule für Musik und Theater in Hamburg. One focus of his work is in the field of vocal music and music theater. The genres here range from experimental forms and piece developments, live radio plays, and music theater for children to opera. Grdon Kampe likes sounds, dance and songs.

Biografie

Duo Weirich Löffler

Duo Weirich Löffler

Hannah Weirich was a young student with Prof. Federico Agostini, studied with Prof. Ingolf Turban at the HfM Stuttgart from 19992004 and attended master classes with Franco Gulli, Yfrah Neaman, Igor Ozim and Dénes Zsigmondy, among others. Since 1992 she has performed worldwide with her piano trio Trio Fridegk, with which she has won several national and international prizes. In 2005 she became a permanent member of the Ensemble Musikfabrik. She has performed as a soloist with, among others, the Nuremberg Symphony Orchestra and the Krakow State Philharmonic Orchestra, worked with Ensemble Resonanz, ascolta, the Neue Vocalsolisten, or the jazz formation Shreefpunk, and was a lecturer with, among others, the German Federal Youth Orchestra, Studio Musikfabrik, and from 2014 to 2017 as part of the master’s program in New Music at Folkwang University of the Arts Essen. In 2004 she received a scholarship from the Rudolf Eberle Foundation with a one-year residency at the Akademie Schloss Solitude, and in 2011 she was awarded the Förderpreis des Landes NRW.

 

Ulrich Löffler completed his piano studies at the Folkwang Hochschule Essen. As a soloist, he has performed with the Bavarian Radio and SWR Symphony Orchestras, among others, and has been a guest at international festivals such as the Salzburg Festival, the Huddersfield Contemporary Music Festival and Ars Musica Brussels. Löffler is a prizewinner of the Darmstadt International Summer Courses for New Music. As a founding member, he has performed with Ensemble Musikfabrik at all international festivals since 1990. As a lecturer, Ulrich Löffler taught at the Folkwang University of the Arts Essen from 1998 to 2003 as part of the master’s degree program in New Music. In addition to his commitment to composed contemporary music, he also performs in improvisation projects and gives concerts with rock and jazz bands.

14 Zurück in der Zukunft
Gespräch

Hannah Weirich and Ulrich Löffler in conversation with Leonie Reineke

LR
Hannah und Ulrich, Ihr habt Euer Duo-Projekt »Zurück in der Zukunft« genannt. Ich behaupte mal, dieser Titel weckt bei nicht wenigen Menschen Assoziationen zu der fast gleichnamigen Science-Fiction-Filmtrilogie aus den 1980er Jahren: »Zurück in die Zukunft«. Das war doch sicherlich Absicht, oder?

HW
Natürlich ist das Absicht, denn auch die Projektidee weist ebenso zurück wie nach vorne: Wir spielen neue Kompositionen auf »alten« Instrumenten. Und in diesem Fall sind es neben der Geige verschiedene analoge E-Pianos, Synthesizer und Elektroorgeln aus den 1970er und 80er Jahren …

LR
… elektronische Musikinstrumente, denen heute vielleicht ein nostalgischer Charme anhaftet, die aber zur Zeit ihrer Entstehung noch für das Potenzial des »Nie-Gehörten« standen.

HW
Genau, und das Nie-Gehörte bringen wir ja jetzt wieder auf die Bühnemit eigens für unsere Besetzung und unsere Klangerzeuger entstandenen Stücken von fünf Komponistinnen und Komponisten.

UL
Mir ist es vor allem ein Anliegen, Instrumente wie zum Beispiel das Hohner Clavinet, die Philicorda oder auch das Fender Rhodes Piano auf eine klassische Konzertbühne zu bringen. Denn dort hat man diese Geräte bisher kaum gesehen und gehört. Man kennt sie eher aus anderen Genres wie Pop, Rock, Jazz oder Blues. Mir selbst geht es allerdings nochmal anders: Wenn ich einen Akkord auf dem Rhodes Piano anschlage, denke ich nicht automatisch an einen Song von Supertramp oder ähnliches. Sondern für mich hat das Instrument einen sehr individuellen Klang. Es ist ein lebendiges, fleischiges, körperliches Klang- und Grifferlebnis beim Spielen. Das könnte natürlich auch damit zu tun haben, dass ich die Instrumente schon seit Jahrzehnten spiele. Damals musste ich viele von ihnen verkaufen, da ich mir einen Konzertflügel anschaffen wollte und Geld brauchte. Ich erinnere mich, wie mich ein Freund ermahnte: »Den Minimoog darfst Du nicht verkaufen!« Und ihn habe ich tatsächlich als einziges Instrument behalten.
Später habe ich mir dann all die anderen Instrumente nach und nach wieder angeschafft. Viele Leute um mich herum fragten: »Was willst Du mit dem alten Kram?« Aber für mich war die Entscheidung klar: Die Instrumente klingen tollnicht wie irgendetwas, das man einfach mit dem Computer nachstellen oder unkompliziert samplen kann. Es sind wirklich eigenständige Instrumente.

LR
Die Komponistinnen und Komponisten in Eurem Programm kommen aus unterschiedlichen Generationen. Schlägt sich das in irgendeiner Form in den Stücken nieder? Merkt man, wer von ihnen einen vielleicht unmittelbareren Bezug zu den Instrumenten hat; einfach durch die größere zeitliche Nähe zu ihrer Entstehungsphase?

HW
Da bin ich nicht sicher, denn alle fünf haben sich sehr intensiv mit den Instrumenten auseinandergesetzt. Dariya Maminova ist mit ihrem Geburtsjahrgang 1988 die jüngste Komponistin im Programm. Für sie mag der Minimoog anfangs am wenigsten vertraut gewesen sein. Trotzdem hat sie ganz wunderbare Klänge auf dem Instrument gefunden.
Witzig war allerdings, dass sie für die Kompositionsphase eine Software-Emulation verwendet und deshalb nicht daran gedacht hat, dass es immer einige Zeit dauert, bis der Minimoog in eine neue Einstellung gekommen ist. Es hat sich also erst beim Proben gezeigt, dass bestimmte Wechsel nicht so schnell stattfinden können wie erhofft. Gleichzeitig ist es aber besonders spannend zu sehen, mit welcher Frische sie an das Instrument herangegangen ist.

UL
Dariya gehört auch jener Generation an, die die Klangwelt der alten analogen Geräte eher aus dem Internet kennt als aus dem richtigen Leben. Umso schöner sind dann die Momente, in denen ich ihr zum Beispiel ein Band-Echo vorgeführt habe. Die Faszination stand ihr unmittelbar ins Gesicht geschrieben. Wie sie das Band beim Laufen mit großen Augen verfolgt hat, hat mich daran erinnert wie ich als Kind bestimmte Dinge zum ersten Mal gesehen und bestaunt habe.
Das Besondere an all diesen Maschinen ist, dass sie so lebendig sind. Milica Djordjević beispielsweise arbeitet in ihrem Stück mit einer Orgel, der Yamaha YC-45D. Das ist ein zweimanualiges Instrument von 1972 mit irrsinnig innovativen Funktionen: Es gibt einen Ribbon Controller mit dem man Glissandi spielen kann. Die Tastatur hat eine Anschlagsdynamik und es lässt sich sogar Vibrato spielen, wenn man den Finger auf der Taste bewegt.

LR
Ein nochmal anderes, besonderes Instrument kommt auch in dem Stück von Oxana Omelchuk zum Einsatz, oder?

UL
Ja, das ist ein analoger Nachbau eines alten Synthesizers, den es seit fünfzig Jahren nicht mehr gibt: der ARP 2600. Das ist ein halbanaloger Kasten, den Oxananeben dem Fender Rhodesin ihrem Stück einsetzt. Die Besonderheit ist hier, dass Hannah und ich unsere beiden Instrumente per Kabel mit diesem Synthesizer verbinden. Rhodes und E-Geige laufen also über das Gerät, das uns etliche zusätzliche Modulations- und Filtermöglichkeiten bietet. Und was mir in der Musik von Oxana besonders gefällt, ist, dass sie keine Angst vor populär klingenden Sounds hat. Was sie für die Instrumente erfindet, klingt einerseits wie nie gehört und andererseits doch irgendwie bekannt. Und diese musikalischen Zwischenzustände finde ich unglaublich interessant und packend.

LR
Bei all den alten elektronischen Instrumenten stellt sich mir die Frage, wie eigentlich die Geige dort hineinpasst? Ihr spielt ja auch oft im Duo mit Geige und Klavier, aber da arbeitet ihr mit völlig anderen klanglichen Mischverhältnissen und auch mit anderem Repertoire.

HW
Das stimmt, Geige und elektronische Tasteninstrumente, das ist eine andere Kombination. Das erste Stück in dieser Richtung hatte damals Eivind Buene für uns komponiertnoch bevor uns selbst klar war, dass wir ein ganzes Projekt daraus machen würden. Zu der Zeit besaß ich noch keine E-Geige, deshalb hat Eivind sein Stück für Minimoog und herkömmliche Geige geschrieben. Ich erinnere mich, dass ich Bedenken hatte, ob sich das überhaupt mischen würde. Aber es hat gut funktioniert.
Irgendwann habe ich mir dann eine fünfsaitige E-Geige angeschafft und die nächsten Stücke, die im laufe der Zeit entstanden sindvon Gordon, Dariya und Milicasind alle für E-Geige geschrieben. Denn auch für die Komponistinnen und Komponisten war das Instrument zum Teil Neuland und sie wollten sich unbedingt damit beschäftigen. Inzwischen habe ich außerdem einen ganzen Fuhrpark an Effektgeräten angesammelt, so dass auch meine klanglichen Ausdrucksmöglichkeiten kontinuierlich mehr werden.

UL
Das stimmt, im Grunde besitzt Hannah inzwischen alles, was ein Gitarrist in einer Band so braucht.

LR
Wenn man allerdings bedenkt, dass Ihr nur als Duo auftretet, dann ist das doch ein irrsinnig großer Transportaufwandim Verhältnis zu dieser kleinstmöglichen Kammermusikbesetzung. Blöde Journalistenfrage: Lohnt sich das?

HW
Ganz klar: Ja! Außerdem gibt dieser Aufbau mit all den Geräten und historischen Instrumenten ein wunderbares Bühnenbild her.

UL
Was ist das bitte für eine Frage?!
Natürlich lohnt sich das.