Um die Wahrnehmung des Publikums nicht unnötig zu beeinträchtigen, werde ich mich auf zwei Sätze zur Beschreibung des Stücks beschränken.
„smar“ ist das polnische Wort für Fett (Schmiermittel) – eine dicke, ölähnliche Substanz, die auf Maschinenteilen verwendet wird, damit sie reibungslos funktionieren.
Der Zweck des Stücks ist es, die Möglichkeiten zu erforschen, wie man einen ähnlichen Fluss von Elektronik, Kontrabass und Gitarrenparts erzeugen kann.
Anna Sowa
Anna Sowa (*1987 in Limanowa, PL) is an experimental composer and artist working mainly with electronic music and performing arts fields. She is interested in the intersection of movement, gesture and theatricality in connection with electronic and instrumental music.
She graduated from Bacewicz Academy of Music in Lodz (PL) with a Master’s degree in eurhythmics (2011) and composition (2016), where she studied with Zygmunt Krauze. In 2014/15, as part of the Erasmus+ program, she studied composition and visualization with Dietrich Hahne at the Folkwang University of the Arts in Essen. As a Chinese government scholarship recipient she studied at the Shanghai Conservatory of Music (CN) in 2017/18. In 2021 she graduated with distinction the “Specialized Master Performance / Composition” with Caspar Johannes Walter and Johannes Kreidler.
In 2021, Anna Sowa won the Fringe Competition of the Haydn Foundation. As part of the prize, her opera Silenzio/Silence will be premiered in March 2022 as part of the Festival Oper 2022 in Bolzano.
Among others, she received the Witold Lutosławski Scholarship 2019 (PL), donated by family members of the composer, and the Nicati-de Luze Scholarship 2020 and 2021 (CH).
Die Cité des Saules (Stadt der Weiden) ist eine Metapher für den Aufbruch. Das gesamte Werk ist als eine Form der wechselseitigen Genese von Innerlichkeit und Raum konzipiert. Es gibt kein Motiv, keinen Umriss, keine Figur, die sich aus einem Hintergrund ableitet. Alles, was zählt, ist der Prozess der Verräumlichung.
Das Stück läuft auf einen Entstehungsprozess hinaus, dessen einziges Unterscheidungsmerkmal der Grad der Tiefe und der Öffnung ist. Die Artikulationen sind auf ein striktes Minimum reduziert: Zwischenräume, aktive Leerstellen, farbige Segmente, leuchtende Ereignisse, Wechselspiel von Transparenzen, dunkles Rumpeln. Das Werk endet, indem es sich in sich selbst dreht, indem es in seinen eigenen Hintergrund zurückversetzt wird.
Die Konstruktion des Stücks basiert weitgehend auf Echo-Reinjektion, sehr leichter Ringmodulation und Andeutungen von Chorus-Effekten. All diese Methoden sind heute obsolet. Ich möchte den heutigen Interpreten dafür danken, dass sie sich bereit erklärt haben, das Stück vollständig digital zu überarbeiten und ihm so neues Leben einzuhauchen.
Hugues Dufourt
Der französische Komponist und Philosoph Hugues Dufourt (*1943 in Lyon) studierte Klavier und Komposition am Genfer Konservatorium, erwarb 1967 die Agrégé de philosophie und lehrte anschließend Philosophie an der Universität Lyon. 1973 trat er als Wissenschaftler dem Centre Nationale des Recherches Supérieures (CNRS) bei und schloss sich mit Gérard Grisey, Tristan Murail und Michaël Lévinas zur Komponistengruppe „L’Itinéraire“ zusammen, aus deren Klangrecherchen die Spektralmusik entsprang.
1977 gründete Dufourt das CRISS (Collectif de Recherche Instrumentale et de Synthèse Sonore), ab 1982 leitete er das Informations- und Dokumentationszentrum “Recherche musicale”, ein gemeinsames Forschungsprojekt des CNRS, der École Normale Supérieure und des IRCAM, und im gleichen Verbund ab 1989 die Doctorale Formation Musique et Musicologie du XXe siècle.
Die Musik von Hugue Dufourt basiert auf einer Fülle von Klangkonstellationen und Obertönen und stützt sich auf die Dialektik von Klangfarbe und Zeit. Er lässt sich zum Teil von der bildenden Kunst inspirieren, wobei er im Wesentlichen die Rolle der Farbe, des Mediums und des Lichts beibehält Viele seiner größeren Werke wurden von Künstlern wie Brueghel, Giorgione, Rembrandt, Poussin, Guardi, Goya, Rothko und Pollock inspiriert.
Hugues Dufourt erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter 1975 den Grand Prix de la Musique de chambre (SACEM), 1980 den Grand Prix de l’Académie Charles Cros, 1985 den Preis der Fondation Koussevitzky, 1987 den Preis der Jury des Festivals Musique en cinéma, 1994 den Prix des compositeurs de la SACEM und 2000 den Prix du Président de la République pour l’ensemble de son œuvre, verliehen von der Académie Charles Cros.
My heart lives in my
chest. I know it’s there.
But now the rogue will often
disappear, and leave me
stranded in my scarecrow
mind. It’s so unkind.
What did I do to make her run
away? – I ask myself each
day. What did I do,
or what did I do not
or just in part, to make my
heart pack up and run
away?
The house inside my chest is
empty now – a vacant lot;
the weeds grow wild in there,
and still heart not come back.
Soon the foundations will be swept
away, and underneath the chest’s vast
empty skies, only the cries that
echo from afar, of some strange
flapping bird, no longer navigating by a
star.
Dorothy Molloy
Die 1983 in Rom geborene Clara Iannotta interessiert sich vor allem für Musik als existenzielle, physische Erfahrung – Musik soll man ebenso sehen wie hören. Dies ist einer der Gründe dafür, dass sie lieber von der Choreografie des Klangs statt von Orchestrierung spricht. Iannotta hat an den Konservatorien von Mailand und Paris, am IRCAM und an der Harvard University bei Alessandro Solbiati, Frédéric Durieux und Chaya Czernowin studiert. Zuletzt schrieb sie u.a. für Quatuor Diotima (DAAD), Trio Catch (Wittener Tage für neue Kammermusik), Ensemble Intercontemporain (Festival d’Automne), Ensemble 2e2m (Festival Présence, Radio France), Münchener Kammerorchester (Musica Femina München), Neue Vocalsolisten Stuttgart (Festival ECLAT), Arditti Quartet (Festival d’Automne) und Nikel (Internationales Musikinstitut Darmstadt). Iannotta war 2013 Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD und wurde vielfach ausgezeichnet, unter anderem mit dem Berlin Rheinsberger Kompositionspreis und dem Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart. Sie erhielt ein Stipendium der Stiftung Künstlerdorf Schöppingen, war Finalistin des Gaudeamus-Preises und stand mit der Portrait-CD „A Failed Entertainment” auf der Bestenliste 2/2016 der deutschen Schallplattenkritik. Im Dezember 2017 erhielt sie den renommierten Hindemith Preis des Schleswig-Holstein Musik Festivals. Seit 2014 ist Iannotta künstlerische Leiterin der Bludenzer Tage zeitgemäßer Musik.Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Biografie, Stand Mai 2018
Es handelt sich um eine gemeinsame Arbeit nach einem Vorschlag von Uli Fussenegger, entwickelt aus Klängen, die er einzig durch das Spielen mit dem Holz seines Kontrabassbogens erzielen konnte.
Er lud mich ein, diese großartigen, verstärkten Klänge zu hören. Ich fand sie sehr überraschend und es schien mir, in ihnen etwas Archaisches wiederzufinden.
Infolgedessen haben wir uns auf das Projekt geeinigt, ein Stück für Live-Kontrabass und Tonband mit diesem voraufgenommenen Material, ohne jegliche elektronische Bearbeitung, zu kreieren.
Die Zeit verstrich und das Projekt wuchs kontinuierlich zwischen uns im Geheimen weiter.
Dann begann Uli mir eines Tages Aufnahmen zu schicken – was er viel später zu einer Gewohnheit machte –, ein Band, das mir wie eine Art organischer Strom erschien.
Ich hörte es mir mehrmals an und begann, den Kontrabass-Part zu schreiben. Ich schickte regelmäßig Seite für Seite an Uli, um zu sehen, wie die Materialien darauf reagierten.
Aus der Ferne modifizierten wir nach und nach die Aufnahmen und Partituren, um Stück für Stück zu dieser Konzertversion zu gelangen.
Ich fühle mich, als hätte ich so etwas wie ein Graffiti geschrieben auf Grundlage der Klänge, die Uli geschaffen hat, eine Art Wand, die mich sehr an die Vorzeit denken lässt, ein antikes Fresko.
Ich habe auch das Gefühl, dass wir dieses Stück gemeinsam und aus der Ferne geschrieben haben, so wie man es vor langer Zeit in der Briefkorrespondenz im 18. Jahrhundert gemacht hat.
Georges Aperghis
Georges Aperghis wurde 1945 in Athen geboren. 1963 zog er nach Paris. Ab 1971 entstanden größere Kompositionen, darunter auch zwei Opern. Ab 1976 realisierte er über zwanzig Jahre lang verschiedenste Theaterarbeiten mit seiner Gruppe ATEM. Georges Aperghis arbeitet interdisziplinär mit der Verbindung unterschiedlicher Genres und Kunstformen, dabei zusammen mit den renommierten Ensembles für zeitgenössische Musik und vielen Solist:innen, häufig auch unter Einbeziehung von Technik und Elektronik. Georges Aperghis erhielt zahlreiche Preise, darunter der Prix SACEM, der Große Preis der Stadt Paris, der Mauricio Kagel Musikpreis, der Goldene Löwe der Biennale di Venezia und 2021 der Ernst von Siemens Musikpreis 2021.
Eine Warteschleife ist eine kreisförmige Schleife, die ein Flugzeug fliegt, während es auf die Landeerlaubnis wartet. Hier handelt es sich um ein Werk, das vollständig aus Schleifen besteht, die oft ziellos sind — wie Kreisel, die sich auf der Stelle drehen und auf einen entscheidenden Anstoß warten. Ein elektronisches Werkzeug, der „Loopsculptor“, überlagert den Live-Sound und erzeugt keine präzisen Echos, sondern formt diese Phrasen mit ständig wechselnden Dimensionen neu.
Holding Patterns wurde von Yaron Deutsch und Uli Fussenegger in Auftrag gegeben, mit dem ausdrücklichen Wunsch, dass das Stück den Performern die Möglichkeit geben sollte, in eine Improvisation zu verzweigen. Die Form des Stücks kreist um sich selbst, bevor es diesen Abstecher macht, und kehrt dann für eine komponierte Coda zurück.
Christopher Trapani
Christopher Trapani (*1980 in New Orleans, Louisiana) ist ein amerikanisch-italienischer Komponist. Er lebt derzeit zwischen Palermo und Los Angeles, wo er an der USC Thornton School of Music unterrichtet.
Christopher ist Guggenheim-Stipendiat 2019 und ehemaliger Gewinner des Rom-Preises (2016-17) und des Gaudeamus-Preises (2007). Er war Stipendiat der Akademie Schloss Solitude, der Camargo Foundation und der Bogliasco Foundation.
Waterlines, seine erste Porträt-CD mit Aufführungen des Talea Ensembles, des JACK Quartetts und anderen, wurde 2018 bei New Focus Recordings veröffentlicht. Eine zweite Aufnahme von Waterlines durch ICTUS wurde 2020 veröffentlicht.
Zu den Projekten für die Saison 2021-22 gehören Auftragswerke des Klangforum Wien und des Ensemble Modern, ein neues Werk für das Grossman Ensemble an der University of Chicago (Auftrag der Fromm Foundation) und ein neuer Liederzyklus für ein Konsortium von Sopranistinnen, der in Verbindung mit dem Barlow-Preis 2020 in Auftrag gegeben wurde.
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