Different ist ein Versuch, andere ästhetische Richtungen zu finden, weg von der Ästhetik, die im 20. Jahrhundert etabliert wurde. Obwohl Different in den Jahren 2019-2020 geschrieben wurde, gehört es in die Zeit zwischen 2004-2006, in der ich versucht habe, arabische Musik mit zeitgenössischer westlicher Musik zu synthetisieren.

„Anders“ („different“) ist ein bescheidenes Attribut für jeden kreativen Geist, der nach Unabhängigkeit und Individualität strebt und sich von dem kollektiven Geist, von der in einem bestimmten Bereich, einer Kunst oder einer Epoche vorherrschenden Stilistik oder Denkweise abheben will. Ich finde keine besseren Worte als die folgenden Zitate, um dies auszudrücken:

„Es ist nicht immer gut, mit den Wölfen zu heulen.“ (Debussy)

„Die Andersartigkeit ist das, was sich der Definition entzieht, wenn die Definition etabliert wird.“ (Derrida)

„Der Stil ist der Mensch selbst.“ (Buffon)
Saed Haddad

Ein schneller, aber angenehm aktiver Herzschlag, ein nicht vergehendes unbewusstes Lächeln, ein sich ständig verändernder Klang, der doch immer genau dorthin führt, wo noch mehr Energie frei wird – so als hätte man ihn selbst gelenkt; das Tempo stets zügig, aber genug Pausen, um durchzuatmen, nie ein schreiender Kontrast, der den Puls abrupt unterbricht.

528 HZ 8va stellt sich ganz bewusst und energetisch in den Dienst einer optimistischen Tatsachen- und Weltbetrachtung. Das Stück zielt nicht auf ein Drama aus Höhenflügen und tiefem Fall und es vermeidet schroffe Kontraste. Stattdessen ist es eine Freudenmusik in mehreren ineinandergleitenden Stationen. Dass eine Musik, die aus dem überreichen Fundus positiver Klangkonnotationen und Emotionen schöpft, nicht in New Age Dur-Akkorde oder leeres Bläser-Jubeln driften muss, wird schon nach ein paar Takten des Stückes klar. Euphorische, chaotische Momente finden sich genauso im Stück, wie uns warm umspielende Wiegenmelodien. Aus dem Orchester lösen sich immer wieder solistische Momente heraus, die innerhalb des Klangflusses kleine bewegliche Gruppen bilden und, indem sie uns an der Hand nehmen, durch das Stück führen. Das Stück geht dann in eine sich nach oben schraubende virtuose Kadenz über, in der Material aus allen vorausgegangen orchestralen Glücksmomenten, polyphon verbunden, in einem orgastischen Höhepunkt kulminiert. Musik ist ein Jungbrunnen und soll hier als solcher explizit neu gegraben werden. Ein bisschen wie Mdma ohne Nebenwirkungen.

Verjüngt wird nun auch dieses Stück – in einer neuen Fassung mit Elektronik aus dem SWR Experimental Studio. Ying Wang macht sich auf die Suche nach anderen, digitalen Glücksmomente, die hinter jenen analogen stehen, die schon erklungen sind. Darin steckt nichts bloß Zeitgeistiges, sondern der digitale Alltag, nicht nur jener in Zoomlandia. Einzelne Glücksmomente des Stücks werden elektronisch angehalten, sodass man sie länger genießen kann, wie ein digitaler Freezeglitch an der Lieblingsstelle – Coitus extensus. Mancher Moment wird nun auch invertiert, um zu sehen, ob die Freude, die ihm eingeschrieben ist, nicht auch noch anders klingen kann. Auch die Dynamik wird erweitert, alles wird extremer und mehr, das braucht auch einen neuen akustischen Raum, 8 Kanäle also – die Elektronik kann das.
Ying Wang

Anstelle eines Kommentars
(an Josef Häusler, den damaligen Redakteur für Neue Musik des SWF Baden-Baden)

Hey Joe, was soll einer sagen über seine Musik?… / Vielleicht erst mal spielen und hören, / 247 Takte Musik spielen und hören und dann was sagen?… / Berichten über kalkuliertes Konstrukt-Destrukt / und Klang und Zeit-Sachen, über Zweifel-Zaudern?… / Was sagen, nachdem die Gerüste abgebrochen sind? / Hey Joe, was ich bestenfalls vermag, ist die Erklärung des Titels: / Ferro Canto singt von dem Manne, der Ecke George Street und / Town Hall, Sydney, saß, und mit schweren Holzstöcken / auf eine Eisentrommel einschlug. / So vehement tat er’s, als wäre die Trommel die / Verkörperung dessen, was ihn peinigt… / aber auch sein letzter eiserner Schutzpanzer. / Dabei stampfte er und schrie passierende Gaffmenschen an / und sprachbrüllte vom / »bissigen Spätherbst der weißglühenden Säue« / und verkündete, dass er, der er eigentlich ein froher Mensch sei, / gerne auch ein glücklicher geworden wäre; aber / dass es dazu hier und jetzt zu spät geworden sei. / Oh nein, kein Straßenmusikant mit schickem Protestlied oder selbstgefälliger Verweigerung. / Nein, seine Töne waren finale Zeichen (Signale) / des Verzagens, Töne der Verzweiflung an einer stumpf-tumben Menschenwelt im Scheitern. / Und von seiner Unfähigkeit sang er, / dieser Welt blitzsauber-konformes Lied mitzusingen. / Kein Verrückter, wie wir’s gerne hätten; / eher einer im Prozess des Erkennens. / Eher einer, der–vom Dämon der Erkenntnis geritten – / dennoch zum Aufbruch bläst.
Frei nach J.H. (Jimi Hendrix) an J.H: (Josef Häusler)
Volker Heyn 1989

Volker Heyn (*1938 in Karlsruhe) emigrierte 1959 nach Australien. Dort schaffte er sich eine Tonbandmaschine an und experimentierte mit den sogenannten „hard and soft edges of reverberating metal“ als Beobachtung von unberechenbaren sowohl non-lyrischen als auch poetischen Aspekten von zufälligen Klangereignissen. 1960-63 studierte er an der Sawitzkys Actors School in Melbourne und war Mitglied einer Theater-Wandergruppe. 1966-71 folgte ein Gitarrenstudium bei Antonio Losada in Sydney, bei Don Andrews am Sydney Conservatory lernte er Musiktheorie. 1972 kehrte Volker Heyn nach Europa zurück und studiere in Karlsruhe Gitarre bei Mario Sicca und Komposition bei Werner Eugen Velte, in dessen Gruppe für Kreative Musik er Mitglied wurde. Seit 1979 ist er freischaffender Komponist. Stipendien erhielt er u.a. durch die Kunststiftung Baden-Württemberg, die Heinrich Strobel Stiftung des SWF, die Rolf Liebermann und die Körber Stiftung sowie den Musikfonds Neustart Kultur. Seine Werke wurden bei zahlreichen Festivals für Neue Musik uraufgeführt.